Aria XYX in Conversation with Maya Wilson-Sánchez
Posted: Nov 13th, 2025 | Collection Spotlight

Maya Wilson-Sánchez: Nuestros cuerpos son lo más íntimo. Nos dan vida; nos permiten presentarnos como queremos; nos permiten amar y ser amados. En la comunidad queer y trans, arriesgamos nuestros cuerpos a diario para ser fieles a nosotros mismos. Entonces, ¿por qué no empezar con los cuerpos? Cuerpos disidentes, cuerpos mutantes, cuerpos intermedios, cuerpos que cambian, cuerpos que sostienen, cuerpos que cargan. ¿Podrías hablar de los cuerpos en tu obra?

Aria XYX: Desde el comienzo de mi producción, mi obra se ha visto enmarcada por la epistemología del cuerpo y por lo que le atraviesa, desde el contexto social que lo condiciona a desarrollarse de una u otra manera. En este proceso he abordado la construcción de la masculinidad, los roles de género, he transitado las dinámicas de poder desde el campo de las sexo-afectividades y sus carencias en la comunidad queer, no binaria y trans para cuestionar como desde el campo afectivo se ejercen violencias históricas donde el cuerpo se convierte en fetiche y la carne se consume, desecha y violenta, negándosele todo trato “humano”.

La necesidad de hablar del cuerpo y de su existencia desde la carne y el sentimiento surge de reconocerme como cuerpo e identidad no binaria. Como el cuerpo desde la genitalidad me condicionaba a performar una serie de conductas ligadas al pensamiento de lo masculino y que, al no cumplir, socialmente mi contexto en El Salvador ejercía vejaciones hacia mí y hacia quienes hemos existido desde las periferias, experimentando desde lo personal y lo colectivo como desde nuestras corporalidades e infancias son reprendidas por ello.

Maya: Sin comprender este contexto, se pierde una gran parte de tu práctica. Veo que las formas de tu obra reflejan tu propio cuerpo y tu experiencia. Esto es especialmente notable, ya que esta es la primera obra de arte de El Salvador que se integra a la colección del Museo Textil de Canadá (TMC).

Aria: Por ello mi serie Apologías al post-humanismo es una investigación donde trabajo sobre lo que es “humano” – desde la carne, la glándula y el tejido – y como “concepto” para vislumbrar desde las teorías post humanistas nuevas formas de representar el cuerpo, más allá de lo sexo genérico condicionado por la genitalidad, hablar de un post humanismo fuera de la visión sci-fi que sitúa a la humanidad dentro de las perspectivas ciber punk o aquellos horizontes que no parecen tan lejanos o imposibles de imaginar donde el cuerpo es alterado para sobrevivir en ciudades escombros o ecosistemas colapsados desde ya.

Planteo la experiencia posthumanista desde lo amorfo, el volumen y lo asexuado, con formas nutridas de la histología vegetal y animal en un intento constante de deslizar entre sus formas una apelación a que la no binario, lo queer/marica es un proceso alquímico donde transitar el cuerpo, es transitar el sentimiento y la mutación constante de auto comprendernos desde diferentes perspectivas y distintos momentos, como un proceso eterno y constante de cuestionarnos como seres, de buscarnos siempre en el horizonte de lo más allá (del cuerpo). Por ello nuestra existencia desde las violencias, las carencias y las luchas constantes en territorios hostiles como El Salvador ha estado marcada históricamente de vejaciones por parte del estado y la sociedad y trascendido al plano post mortem donde se les ha negado un trato humano en los actos funerario, sin reconocer su nombre, su identidad, sepultando un cuerpo que luchó por su existencia misma, desde el auto reconocimiento como identidades no binarias, en muchos otros casos como lo fue durante el conflicto armado en El Salvador, sexo trabajadoras travestis y trans, víctimas de crímenes de odio no tuvieron un trato digno de sus cuerpos, sin ceremonia fúnebre, sin despedida, solo fueron cuerpos sin reconocer en un predio baldío y sin registro que alguien les buscó, carnes que el estado y la sociedad no consideró digno de un trato “humano” ni en vida ni en muerte.

Maya: Y las formas en tu obra, ¿son cuerpos? ¿Qué hacen? ¿Cómo funcionan?

Aria: ReBloom (2024) es un cuerpo, un retrato colectivo, una masa muscular y glándulas palpitantes que busca plantear otra forma de representarse, más allá de lo genital, del sexo mismo. Es una escultura que usa la maleabilidad propia del barro, extraído del mismo suelo que conforma un territorio violento hacia la comunidad LGBTI+ para crear formas más allá de lo masculino y lo femenino para posicionarse como existencia.

Es reconocer que, pese a las violencias del estado y la sociedad, hubo y habrá tras la lucha de quienes han transitado este territorio situado en Centroamérica, un anhelo de habitar su cuerpo y existencia desde la plenitud del auto reconocimiento. Sus formas hablan de carne, pero no la carne lastimada ni maltratada, son formas que se expanden con color suave, con textil suave, que transita la belleza que hay en lo amorfo, decoradas con cuentas, como recordatorio de las existencias travestis, trans y mariconxs que, pese a la pobreza resultado de la desigualdad en el acceso a la educación y ofertas laborales para una vida digna, buscaron en la precariedad la forma de adornar su cuerpo y con ello su existencia.

ReBloom es una escultura elaborada en barro rojo local de mediana temperatura, travestida de esmalte rosa pálido y tonos verdes, un cuerpo embellecido con un gajo de borlas en terciopelo y cuentas de vidrio que contrasta la dureza del cuerpo cerámico y la suavidad del textil para hablar de la complejidad de nuestras existencias, de cuerpos post humanistas que se alteran constantemente para habitarse desde el sentimiento y la carne.

Es un cuerpo permeado de anhelo, carencia y belleza desde lo amorfo y complejo; es una búsqueda de reflorecer desde este territorio.

Maya: Al contemplar esta obra, percibo una forma imperceptible que encierra belleza debido a su naturaleza intermedia e irreconocible. Debido a su forma amorfa, siento que simplemente la vislumbro, un instante fugaz en su transformación, pero nunca su totalidad, a pesar de su tamaño tan íntimo. Si bien existe en este espacio de multitudes, también es trascendente en su materialidad. Hecha con cerámica y textil, dos materiales muy diferentes pero vitales en la historia artística de El Salvador, ¿por qué has elegido unir estas dos formas de trabajar? ¿Y qué significa tener ReBloom en un museo textil?

Aria: Ambos materiales me hablan de procesos de transformación, de sensorialidad y de mucha historia personal. La plasticidad del barro me conecta a la posibilidad desde la alteración de la forma, del proceso alquímico que representa que lo vinculo con los procesos de nuestros cuerpos nacidos de esta tierra, utilizo el barro rojo local para reivindicar que, pese a las violencias sistemáticas, se existe. Por su parte, el textil me conecta con mi infancia y a su vez con la memoria, con aprender el oficio de bordar que me enseñó la abuela de una amiga, sobre esos momentos de acogerme y brindarme un espacio seguro en su casa, espacios vitales en un momento de desarrollo humano donde por no

comportarme según la visión de lo masculino no era bienvenido en otros espacios y el espacio publico se volvió hostil. El textil es la memoria y el tacto—zurcir, puntada tras puntada, el ejercicio de introspección que me ha permitido comprender las dinámicas entre los cuerpos y el concepto de lo humano.

Que ReBloom esté en la colección del TMC es prueba de que tanto mi obra como mi proceso no tienen apertura en El Salvador debido a mi discurso y frontalidad ante los maltratos, incluso del sistema del arte nacional. Esta obra es la primera de mis esculturas que forma parte de la colección en museo ya que en El Salvador no he tenido esa oportunidad, incluso sobre la exposición de mi trabajo, salvo espacios independientes, en el país mi obra está en colecciones privadas de coleccionistas. Por ello, mostrar mi obra en la colección del TMC también es un acto de sobrevivencia desde este espacio en otro territorio.

[EN]

Maya Wilson-Sánchez: Our bodies are the most intimate part of us. They provide us life; they allow us to present ourselves the way we want; they allow us to love and be loved. In the queer and trans community, we risk our bodies every day to embrace authenticity. So, why not start with our bodies? Dissident bodies, mutant bodies, in-between bodies, bodies that change, bodies that hold, bodies that carry. Could you talk about the bodies in your work?  

Aria XYX: From the very beginning of my artistic career, my work has been framed by the epistemology of the body and by what permeates it— from the social context that conditions its development in one way or another. In this process, I’ve explored the construction of masculinity, gender roles, and power dynamics within the field of sexuality and affectivity and its shortcomings in the queer, non-binary, and trans community. Through this work, I question how historical violence is exerted from the affective realm, where the body becomes a fetish and flesh is consumed, discarded, and violated—denied of all rights as “human.” 

The need to speak of the body and its existence from the perspective of flesh and feeling arises from recognizing myself as a body and a non-binary identity. My body, because of my genitals, conditioned me to perform a series of behaviours linked to masculine thought. When I failed to conform, Salvadorian society punished me—as it does to all of us who exist in the peripheries—forcing us to experience personally, collectively, how our bodies and our childhoods are reprimanded for simply existing.  

Maya: Knowing this context is key for understanding your practice. I see that the forms in your works reflect your body and your experiences. This is significant as this is the first artwork from El Salvador to enter the collection of the Textile Museum of Canada (TMC). 

Aria: That’s why my series Apologías al post-humanismo is an investigation into what it means to be “human”—from our flesh, glands, and tissue. I draw from posthumanist theory to envision new ways of representing the body beyond normative genders conditioned by genitalia. I aim to speak of a form of posthumanism outside of the sci-fi vision that situates humanity within cyberpunk perspectives or in those not-so-distant horizons where the body is altered to survive in crumbling cities or collapsing ecosystems. 

I propose a posthumanist experience through the amorphous, the volumetric, and the asexual forms inspired by vegetal and animal histology, in a constant attempt to weave into their shapes the idea that the non-binary or the queer/marica is an alchemical process where traversing the body is traversing the feeling and the constant mutation of understanding ourselves from different perspectives and different moments, as an eternal and constant process of questioning ourselves as beings, of always looking for ourselves beyond the horizon (of the body). Therefore, our existence, marked by violence, deprivation, and constant struggles in hostile territories like El Salvador, has been historically violated by both state and society, extending even into the postmortem realm where we have been denied humane treatment in funeral rites. Our dignity is stripped from our bodies in funerals, with our names and identities going unacknowledged. Bodies that fought for their own existence are buried without recognition, traces of their existence as trans and non-binary people erased. In many other instances, like what happened during the armed conflict in El Salvador, many trans and travesti¹ sex workers were victims of hate crimes—their bodies were denied to be treated with dignity, with no funeral, no farewell. The bodies were left unacknowledged in vacant plots, with no record of anyone having searched for who they were. They were bodies that the state and society did not consider worthy of humane treatment, neither in life nor in death. 

Maya: And the forms in your work, are they bodies? What are they doing? How do they work? 

Aria: ReBloom (2024) is a body, a collective portrait, a mass of muscles and pulsing glands that seek to present itself in a different form beyond assigned genitals, beyond sex itself. It’s a sculpture that uses the malleable properties of clay, extracted from the very soil of the violent territory that terrorized the LGBTI+ community to create forms that transcend masculinity and femininity, positioning themselves as pure existence. 

It is to acknowledge that, despite the violence of the state and society, there has been and will continue to be a fight for those who have inhabited Central America yearning to live fully within their body and identity. Their forms speak of flesh, but not of wounded or mistreated flesh, but of forms which expand through soft colors and gentle textures, that convey the beauty found in the amorphous. They are adorned with beads as reminders of travesti, trans, and mariconx existences who, despite being affected by poverty caused by systemic inequality in accessing education and dignified employment, sought in precarity a way to adorn their bodies and thus their existence. 

ReBloom is a sculpture made from local red mid-fire clay, cross-dressed in a pale pink and green glaze—a body embellished with a cluster of velvet tassels and glass beads that contrasts the hardness of the ceramic body with the softness of the textile to speak to the complexity of our existences, of posthumanist bodies that constantly transform to inhabit themselves through feelings and flesh. This is a body permeated with longing, lacking, and beauty through amorphousness and complexity; it is a search to bloom again from this territory. 

Maya: When I think about this piece, I perceive an indiscernible form that holds beauty precisely in its in-betweenness and unrecognizableness. Because of its amorphous nature, I feel that I am only experiencing a glimpse of it, a fleeting instant of its transformation, but never its totality, despite its intimate scale. Though it exists in a space of multitudes, it is also transcendent in its materiality. It is made of ceramic and textile, two very different yet vital materials in El Salvador’s artistic history. Why did you choose to combine these materials? And what does it mean to have ReBloom in a textile museum? 

Aria: Both materials engage with the processes of transformation, sensoriality, and my deep personal history with them. The malleability of clay connects me to the possibility of altering form, representing the alchemical process I link to our bodies that are born from this same earth. I use local red clay as an affirmation to say, despite systemic violence, that we exist. Meanwhile, textiles connect me to my childhood and, in turn, to memory, to learning the craft of embroidery from a friend’s grandmother, to those moments of being welcomed and given a safe space in her home—vital spaces at a time in my development when, because I didn’t behave according to the prevailing view of masculinity, I wasn’t welcome in other spaces, and public spaces became hostile. Textiles are memory and touch. Mending, stitch by stitch, a practice of introspection that has allowed me to understand the dynamics between bodies and the concept of the human. 

Having ReBloom in the TMC collection is proof that my work and process have no place in El Salvador because of my discourse and transparency about the abuse I’ve experienced, even within the national art system. This piece is the first of my sculptures to enter a museum collection, since in El Salvador I haven’t had many opportunities to show my work. Aside from independent spaces, my artworks have only been shown in private collections. Thus, having my work in the TMC collection is also an act of survival—of my existence in another territory.

¹ The Spanish term ‘travesti’, which translates to ‘transvestite’, holds a different meaning than its English counterpart. The creator of Museo Travesti del Peru/Travesti Museum of Peru, Giuseppe Campuzano writes that “[i]n some parts of Latin America, the term ‘transvestite’ has been repurposed by its own addressees.” This is why “travesti” has been left untranslated from the original Spanish text of this conversation.